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数百年的衍变,芭蕾形成了一套完整的、规范化的科学体系:芭 蕾舞演员几乎都是从年幼起就接受训练,一招一式都约定俗成,有特 殊的涵意。不仅如此,观众、音乐和舞台设计也成为一出芭蕾剧的成 败关键,完美剧目的美感和魅力在台上台下的默契中达到顶点。而这 份与台上演员的默契,却是深入芭蕾这门艺术之后才能形成的。如何 做一名出色的观众?该用什么样的心态去观看芭蕾?芭蕾中蕴含的奥 秘是怎样?一起来看下面的内容:
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│ 做个高素质的观众 │
└─────────┘ 1. 自觉保持演出场地的秩序 2. 体谅演员的劳动,擅于鼓励,能慷慨奉献热烈的掌声 3. 专心理解作品,全身心投入
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│ 如何欣赏芭蕾 │
└─────────┘ 首先,欣赏芭蕾,“第六感觉”——动觉应该是观众最重要的工 具。 假如您真的不懂如何去欣赏芭蕾的话,那就什么也别想,只管走 进剧场,从“感觉”芭蕾开始做起好了,让直觉去感受芭蕾舞的美, 因此芭蕾观众最好轻装上阵,两手空空,以便能够随时对芭蕾舞者的 动作做出自己的、自由的、松驰的和即刻的动觉反应和理解。 其次,在你感觉了芭蕾一段时间以后,您可以依据评价芭蕾技术 的20条标准来评判芭蕾:1、旋转;2、速度;3、方向;4、定点看一 点的能力;5、变化手臂腿脚的能力;6、无声而优雅的落地;7、跳跃 的高度;8、绷膝盖;9、绷脚尖;10、高抬腿;11、支撑腿的稳定性; 12、线条;13、流畅度;14、双人舞;15、大群舞;16、动作干净准 确;17、充分而优雅的自信,如履平地的轻松自如感,一气呵成的整 体感和舒适感;18、快感;19、弥补失误的小骗局;20、从技术向艺 术的大跳。 再次,您还可以从四个间接视角间甄别质量高低:是否引人入胜, 是否达到忘却细节而顺其自然的流畅,是否达到了随心所欲的境界, 是否给您留下忘却一切世俗烦恼的印象。 ┌─────────┐
│ 了解芭蕾的结构 │
└─────────┘ 在长期的舞台实践中,古典芭蕾逐渐形成了一套结构形式,这套 形式大约从18世纪末、19世纪初开始,日趋规范。在一部古典芭蕾中, 双人舞、独舞、群舞都有经常使用的结构形式。如双人舞是古典芭蕾 中的核心舞段,大都用以表现男女主人公的爱情、争斗、厮杀或其他 关键性的情节。一般分为“出场”、“慢板舞”——由男女演员合作 的抒情舞段;“变奏”——男女演员分别表的独舞,用高度的舞蹈技 巧表现人物的性格、情绪;“结尾”——男女演员穿插表演,最后以 合舞结束。 由于双人舞本身结构严谨、层次分明、技艺精湛,往往能反映一 部舞剧和表演者的水平,又常被选出作为晚会单独演出或国际芭蕾舞 比赛的规定内容。与双人舞结构类似的有三人舞、四人舞、五人舞等, 基本上按上面的出场结构,也有只含“出场”和“慢板舞”的。群舞 是一种集体舞,可以是纯粹的古典舞,如《睡美人》中的华尔兹;也 可以是性格舞,如《天鹅湖》中的西班牙舞、匈牙利舞、那不勒斯舞、 玛祖卡舞等;还可以是宫廷舞蹈或舞会舞蹈。这些都常用以烘托主要 人物,渲染环境、气氛,有时也可以作为独立的晚会节目演出。整个 舞剧也有自己的结构形式,如在全剧或某一幕结尾部分,编导也常常 安排大型群舞,创造出一种热烈的情绪或壮观的场景,把舞剧推向高 潮,由男女主角和群舞演员合作表演。19世纪古典芭蕾结构上的一个 重要成就是“伴舞队”的运用。它是芭蕾交响化的孪生物,与一般集 体舞不同的是它不能脱离主角的表演,只作为陪衬。伴舞者在主要角 色表演双人舞或变奏时,以各种生动、形象的造型和多变、优美的图 案来烘托主角,而在结尾时与主要角色穿插合舞,根据J.-G.诺维尔 关于情节芭蕾的理论,19世纪的舞剧编导们创造出情节芭蕾的结构形 式。它是用舞蹈手段来表现和推进发展的重要形式。 20世纪编导创作的大量芭蕾舞作品中,上述规范化的形式已被大 大突破,尤其是双人舞,已不拘泥于“出场”、“慢板舞”、“变奏”、 “结尾”这样的刻板程式。 ┌──────────┐
│体会芭蕾的轻灵与厚重│
└──────────┘ 舞蹈的质感在于轻灵。 芭蕾尤以轻灵为其美学特征。 自从 150年前芭蕾的选题浪漫地朝非现实方向一跃,仙姝倩鬼神 魔精灵遍布舞台,芭蕾舞的表现形态随之发生变革,一蹴而就并不可 逆转地把轻灵的本质突现出来。1832年代表浪漫主义芭蕾方向的《西 尔菲达》(即《仙女》)在巴黎问世。它借助于苏格兰民间传说,描 绘一幅林中仙子同凡人相恋图景的舞剧里,女主人公西尔菲达有一对 会飞的翅膀,在舞台上时隐时现、飘忽不定;当时人称“芭蕾皇后” 的玛丽.塔莉奥妮首演这个角色,她的舞蹈风格的轻盈,把人们超自 然的想象完美地体现在舞台上,并由此而确立了足尖舞蹈的地位—— 当之无愧地具有芭蕾舞代表性质的技艺。 9年以后,另一部浪漫主义 的杰作《吉赛尔》在巴黎同观众见面并流传至今,被誉为芭蕾艺术皇 冠上的一颗明珠。这部舞剧受惠于自斯拉夫民族的传说“维丽斯女鬼 的夜舞”,着意表现了山村少女吉赛尔的纯情与善良。舞剧对比式地 展现了现实生活和冥冥世界两幕场景,那虚幻飘渺的幽灵之舞,是芭 蕾艺术把不可知的世界奇妙地展现在人们眼前的杰作。浪漫主义的注 入掀开了芭蕾历史新一页,从此,芭蕾艺术形态就定位于轻灵这一坐 标。美妙绝伦的足尖舞功、各种腾跃空中的技巧、举重若轻的男女双 人舞、以及急遽的旋转、飘洒的舞步、舒展流畅的舞姿……舞蹈的格 式和技巧无一不刻印着轻灵的属性。 舞蹈的表现力建筑在轻灵飘逸之上。 芭蕾尤以轻灵垂范舞蹈殿堂。 无论是如歌式的抒怀或豪迈的咏叹,无论是纤纤淑女或骁勇雄健 的骑士,无论舞段的力度要求如何地粗犷开阔、激越铿锵,芭蕾艺术 对轻灵的诉求始终是悬在所有舞者头上的一把戒尺——简明、光洁、 迅捷、准确,起跳爆发力如火箭升空,落地若飘落绵絮。 芭蕾作品的内涵往往又是厚重的。 感情的倾吐,理念的宣发,内心的剖白,行为的展露,在芭蕾作 品及人物身上都涂抹着厚重的油彩,肩负着厚重的使命。舞剧,悲剧、 正剧、抑或喜剧,必然隐含通过舞蹈阐发的主题,而任何主题相对于 轻灵的舞蹈叙述形式,总是厚重的。正剧和悲剧自不待言,即如轻松 的喜剧芭蕾《无益谨慎》、《窈窕淑女》、《驯悍记》,也都显露出 某种庄重的人文主义态度。芭蕾小品如《天鹅之死》,短短几分钟里 刻画了一幅生死搏击的悲壮场面,深沉而隽永。纯粹着意于将音乐视 觉化的交响芭蕾,调动舞者犹如摆弄音符,甚至同音乐的无标题一致 地无标题,却也在和声般的形式美中传达出某种意蕴,把宽泛的抽象 的不确定性的音乐内在因素呈现在舞台上。即使一个叫《练习曲》的 节目,将芭蕾从艺者的日常练习展览于观众眼前,它那明快、洒脱、 齐整、繁难,激荡起人们惊诧、亢奋、叹服、愉悦——以简约的形式 换取的是复杂的情绪反映,就是它的意在不言中的内在品性。 舞蹈,尤其芭蕾,轻灵与厚重并行不悖。 轻灵是美的载体,负载着形式美、表现美、外在美;轻灵又是厚 重的载体,负载着思维、观念、情绪、意向——内蕴之美。 轻灵使芭蕾富有生命力。但真正洋溢生命激情的作品,必然包孕 厚重的内涵;惟此而意味深长,而情趣盎然,而气韵生动,而神形兼 备。古往今来,无数芭蕾精品,无不是把轻灵与厚重有机地缝纳在一 起。《天鹅湖》浓郁诗意是动人的,既来源于舞蹈画面的纯美,也来 源于浪漫地讴歌爱情这一永恒的主题。《斯巴达克》气势恢宏,是用 精巧的舞蹈构思涂抹的一幅奴隶起义的历史画卷。福金的《仙女们》 淡雅清新,那仙境是借用肖邦的音乐,导引出贮存于人的心灵中的清 纯。《村居一月》以明丽温煦的笔调,写出复杂的人物关系,映照出 屠格涅夫时代的风貌……单一的轻灵不足以承载永恒的价值,惟有以 厚重为骨架,方能经受岁月的冲刷而永葆鲜丽。 空洞的厚重失却了艺术风采,同样经受不住时光磨蚀而被历史遗 忘。 轻灵不流于轻浮,厚重不滞于呆板,方为芭蕾的完美之作,亦是 艺术的完美之境。
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│演员、观众及谢幕的规矩│
└───────────┘ 每位芭蕾演员都是按芭蕾舞规范化要求造就的。芭蕾舞所要求的 外开性、稳定性、柔韧性、轻盈而具有高跨度的跳跃、洒脱而有力度 的旋转,动作清晰干净及协调性、舞蹈感,与契合音乐、理解音乐、 表现音乐——还有做到这一切的体力(耐力与爆发力),都是芭蕾舞 演员需要掌握的。 剧场里的掌声代表了观众对艺术表演者的赞赏、鼓励与感谢,同 时也是受到艺术感染的观众宣泄情感的积极方式。因此,什么时候鼓 掌谁也不能硬性规定。不过,出席芭蕾晚会的人们在各幕(场)结束 和演出终了时鼓掌致意已成惯例。在每个舞段之间如果没有延续性的 音乐连接人们也会报以掌声。甚至当演员表演一个高超的绝技,即便 整段舞蹈没完,也会激起人们喝彩的欲望——这时的掌声对演员来说 无异于兴奋剂,会激发他(她)更强烈的表演热情,促使他(她)把 下面的技巧完成得更好。但是,如果演员表演的是深沉地抒发感情的 内容或者是异常优雅的舞段乃至如此的场景,已经把观众带讲情绪陶 然的静谧气氛,掌声的出现就不大相宜了。另有一种情形,即舞剧角 色的饰演者在跳完一段精彩舞蹈而获掌声时,该不该谢幕呢?一般说 来这时谢幕会破坏剧情的连贯性,使演员在刹那间游离于角色之外了。 可是,有些国家有此习惯,即不管剧情如何只要演员表演出色就报以 掌声,这已形成一种客套礼节,只好另当别论了。 总之,鼓掌是观众自发情绪的表现,掌声象一座沟通观众同演出 者感情的桥梁,可以顿然拉近两者的踞离,增加演出空间的热度,也 是欣赏艺术必不可少的氛围。充分调动你艺术欣赏的能动作用吧!为 你得到的美的享受而鼓掌,为通过艺术劳动奉献了美的人们致谢。
[ 本帖最后由 足尖天使 于 2006-12-30 17:07 编辑 ] |
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