音乐是舞蹈的灵魂

阿萌

<><BR>稿源：文汇报 作者：杨少莆 </P>
<><BR>    “音乐是舞蹈的灵魂”，这句曾被舞蹈界奉为真理的话，近些年却备受责难，有人称：“似乎舞蹈没有魂，还得另外找个魂。”其实，这根本就不是一个论争题目，因为，音乐与舞蹈（这里特指舞蹈音乐），根本不存在谁压倒谁，谁统率谁，谁服从谁的问题。<BR>    那么，这句诗化的形容词能不能够成立？音乐到底可不可以是舞蹈的灵魂呢？我认为可以。因为，音乐之于舞蹈，犹如空气于人不可须臾离开。“音乐是舞蹈的灵魂”这句名言，正确反映了舞蹈与音乐的密切关系。音乐与舞蹈一家，从舞蹈诞生的那一刻，就注定要与音乐相伴。从广义的角度讲，舞蹈至少需要最基本最简单的音乐元素——节拍、节律伴奏才可能起舞；换言之，如果连起码的节拍都没有，舞蹈就根本无法进行。所以，好的舞蹈作品是舞蹈与音乐的水乳交融，好的舞蹈演员则能够将音乐体现于舞蹈流程中，音乐与舞蹈水乳交融，为人们提供视听一致的审美享受。<BR>    前苏联的舞蹈理论家把舞剧归入“音乐戏剧”范畴，因此音乐与舞蹈共同担负塑造形象的任务。而且舞蹈得益于音乐的例证不胜枚举。众所周知，古典芭蕾第一名剧《天鹅湖》就是一个最能说明问题的例证。虽说“音乐是舞蹈的灵魂”流传日久，但真正够得上“灵魂”高度的舞蹈音乐或舞剧音乐并不多见，尤其在柴可夫斯基动笔为芭蕾谱曲之前。1876年，柴可夫斯基以大作曲家的风范，借用交响乐手法，一开笔就写下了《天鹅湖》这部形象鲜明、蕴涵丰富、意境深邃、富于戏剧变化的完美的舞剧音乐，为编导发挥浪漫主义才情提供了可资驰骋的广阔原野。可是缺乏音乐素养的平庸编导却使《天鹅湖》两次演出归于失败，总谱搁置12年，直到彼季帕和伊万诺夫重新发掘，才使一度蒙尘的稀世瑰宝重泛光辉。<BR>    1894年，天才的俄罗斯编导列夫·伊万诺夫以高深的音乐素养对交响乐式的《天鹅湖》“湖畔”场景进行了相应的交响化处理，采用与传统编舞手法不同的方式，即以音乐为连缀纽带，把大编队舞蹈同主人公的独舞以及多人舞交错编织，在音乐的衬景下相互呼应、协调融汇，组成有机的动感画面，呈现交响音乐一般的丰富、致密、多姿的舞台效果。在这里，音乐的主导作用是显而易见的，透过明丽的音色、清雅的线条、规范的动作之相得益彰的组合，营造的这个“天鹅世界”具有体现音乐本质的品性，是音乐渲染了气氛，贯注于舞蹈流程，而创造出一个引发审美共鸣的空间。人们感到，是流动的音乐漫过舞蹈演员的身躯，感应她们的心灵，牵引她们的律动，舞蹈图案便是那音乐的浪花推涌出来的画面。舞蹈成了高度音乐化的视图；情境成了投射到音乐底板上的影像，音乐也便成为附着于舞蹈载体的精魂。伊万诺夫指挥俄罗斯的芭蕾舞女演员们，在舞台上演奏了一曲芭蕾交响化的辉煌乐章。<BR>    20世纪“交响芭蕾”大师巴兰钦也是一位善于将音乐视象化于舞台的编导，他异常倚重音乐，创作舞蹈的过程就是他不断从音乐汲取艺术营养的过程。他曾说：“一个编导创造不出节奏，他只能在动作中反映它们。身体是他的工具。如果得不到帮助，身体的姿势只能保持极其短暂的瞬息。可是组织大规模的节奏是一个持续的过程。这是音乐心理的作用。”巴兰钦艺术成就最伟大的发现来自他对音乐的感受，因此，他时常把功劳让位于作曲家。<BR>    所以，“音乐是舞蹈的灵魂”符合客观的艺术创作规律。同时，它又是一句诗化的语言，而非严谨的科学定义。它形象化地解释了舞蹈同音乐的关系，而且夸张地强调音乐的作用，似乎意在引起舞蹈创作者们的重视。</P>

！小吸管！

<>杨少莆老师给我们上过课的！</P>
<>那个老头很精神！</P>

巧遇

<>呵呵！</P>
<>好羡慕哦！</P>
<>有那么好的老师给你上课。不用像我~~~~~~~~~~~~~~`</P>

巧遇

<>就是说他们是相互依存。不可分割的嘛！</P>
<>用舞蹈的形式可以把音乐更深动，更活泼的表现出来</P>
<>而音乐且又能更强化舞蹈</P>
<P>我说得对吧？</P>